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miércoles, 9 de diciembre de 2015

A Las Inmaculadas de Murillo (1617-1682)


Autoretrato (National Gallery de Londres)
(http://aznalfarache.blogspot.com)
El día 8 de diciembre, la Iglesia Católica celebra la fiesta de la Inmaculada Concepción. Explicado de manera sencilla y breve, esto quiere decir, que María fue concebida sin pecado original en vista a que Dios la había elegido como Madre de su Hijo. Con ocasión de esta fiesta, te presento un vídeo que nos presenta una Inmaculada de Murillo (1617-1682), que es conocido como el pintor de las Inmaculadas. En el vídeo, el locutor describe el cuadro que se encuentra en el Museo Arocena (Torreón Coahuila, México) y hace una breve interpretación del mismo. 

Las Inmaculadas fueron muy difundidas por la escuela sevillana de pintura fundamentalmente durante los siglos XVII y XVIII. Uno de los autores más representativos es, sin lugar a dudas, Murillo, el artista que nos ocupa y cuya obra aparece en este vídeo. Más allá de la dulzura del modelo, el vídeo señala la calidad del dibujo del artista, su manera de colocar los ropajes a sus Vírgenes, sus colores y su simbología, su perspectiva aérea... todo estos detalles son características de su gran maestría técnica y artística y de su gran sensibilidad religiosa.
Inmaculada del Museo del Prado
((http://aznalfarache.blogspot.com)
Las Inmaculadas en particular y la representación de la Virgen María en general fueron un motivo artístico muy frecuente en el Barroco. Como el locutor muy bien explica, la Virgen María mereció una especial atención en el Concilio de Trento celebrado en la centuria anterior (1545-1563). María, encarna "la primera idea o concepción divina antes de todos los tiempos y antes de tocas las creaciones." Es por razón de la amplia difusión del tema mariano en el Barroco, que saber con exactitud el autor no es una tarea fácil. El mismo Murillo realizó una gran cantidad de ellas que fueron copiadas o bien por su propia escuela o bien por otros autores. Tampoco resulta fácil distinguir si se trata de una copia o un original, a cuya tarea se entregan los historiadores de arte más especializados. De acuerdo con algunos autores, y a la vista de otros ejemplos de Murillo conocidos, la de este vídeo es posterior a 1680. 

¡Espero que te guste el vídeo!

 

domingo, 23 de junio de 2013

HV Las Meninas (1656)

LOS PERSONAJES
Según algunos historiadores del arte, fue en el año 1656 cuando Velázquez pinta su obra más completa: Las Meninas. Esta obra es el retrato de la infanta Margarita con sus damas de honor: María Augustina Sarmiento y María Isabel de Velasco. Las tres figuras están en primer plano. Tras ellas, en un segundo plano, Doña Marcela de Ulloa y otro personaje. A la derecha, también en un primer plano, dos bufones cortesanos y un gran perro mastín.
En la puerta del fondo, por donde entra un torrente de luz, está la figura del aposentador real Don José Nieto. En un espejo al fondo se dibujan las borrosas figuras de los reyes que contemplan la escena desde fuera del cuadro, desde el lugar del espectador. Junto al caballete del gran lienzo está Velázquez. Para el pintor que está pintando, su carácter de noble está por encima de su ser de  pintor y, aunque en esta obra se presenta a sí mismo de esta doble manera, subraya su ser de noble pues muestra la cruz de Caballero de la Orden de Santiago de manera bien visible.

ALGUNAS CARACTERÍSTICAS TÉCNICAS
La colocación de estos doce personajes (perro incluido) es la composición más perfecta de la Historia de la Pintura. La dosificación del color y las tonalidades, la atmósfera luminosa que desdibuja el contorno de las figuras en el fondo del cuadro, los distintos planos de luz y sombra que empujan nuestra vista inevitablemente hacia la puerta abierta inundada de luz, todo ello es la culminación de la perspectiva aérea, de la composición y del color.


En el vídeo que te presento, puedes escuchar una descripción de los personajes y el sentido que puede tener el cuadro. Además explica algunas de las características técnicas más importantes de la obra, sobretodo lo referido a los focos de luz, a las diversas pinceladas empleadas por Velázquez y la llamada perspectiva aérea.
Para explicar el cuadro y estas características técnicas, en el vídeo son citados algunos famosos historiadores del arte.

sábado, 15 de junio de 2013

HV La rendición de Breda (1634-1635)

EL CONTEXTO HISTÓRICO
A fines del siglo XVI y principios del XVII, durante los reinados de Felipe II y Felipe III, los Países Bajos querían independizarse de España. Este movimiento estaba dirigido por el noble Guillermo de Orange. En 1590, la ciudad de Breda ya estaba en manos holandesas. 
En 1609 se firma la tregua de los doce años. Cuando Felipe IV subió al trono en 1621, la tregua finalizó y la guerra comenzó de nuevo. Felipe IV quería recuperar esa plaza tan importante desde la cual se podrían hacer otras conquistas. Felipe IV nombró jefe de la expedición a Breda a Ambrosio de Spínola al mando de 30.000 hombres.

En el cuadro, Ambrosio Spínola, recibe del gobernador holandés Justino de Nassau, las llaves de la ciudad de Breda, rendida tras un largo asedio de un año por parte de las tropas españolas. El hecho, sucedido el 5 de junio de 1625, se consideró un episodio clave de la guerra.

UNA OBRA DE PROPAGANDA POLÍTICA
La obra tiene una clara finalidad de propaganda política. Insiste en la clemencia de la monarquía hispánica. Velázquez no representa una rendición normal. Spínola levanta al vencido para evitar su humillación. Velázquez no se recrea en la victoria. La batalla tan solo está presente en el fondo humeante. El pintor centra la atención en el primer plano en el que se desarrolla no tanto el final de la guerra como el principio de la paz.
La historia nos dice que Breda volvió para siempre a manos holandesas en 1639. 

LOS PERSONAJES
El centro de la composición es la llave y los dos generales. El grupo de los soldados españoles aparecen a la derecha, tras el caballo. Sin duda representados como hombres experimentados, llevan sus picas en alto. A la izquierda se sitúan los holandeses, hombres jóvenes sin experiencia, cuyo grupo cierra el otro caballo.

Velázquez representa con realismo al general Spínola pues le conocía personalmente. Un realismo semejante y caracterización individual se aprecia en los rostros de los soldados que están tratados como retratos aunque no se ha identificado a ninguno de ellos. Hay un posible autorretrato de Velázquez, el último hombre de la derecha.


LA COMPOSICIÓN
Es clásica y está estructurada a través de dos rectángulos: uno para las figuras y otro para el paisaje. Por un lado en el rectángulo de las figuras, en la parte de abajo, podemos ver cómo las cabezas de los soldados forman una línea horizontal que se contrapone con las verticales de las lanzas.
Por otro lado en el otro rectángulo, en la parte de arriba, podemos ver el paisaje en el fondo del cuadro. Este fondo está dominado por una imagen de la batalla, representada a través de la perspectiva aérea
: las humaredas y la zona de Breda.

La perspectiva aérea permite que el ojo del espectador pueda captar la profundidad del cuadro, de los objetos o personajes representados, de una forma natural. Es decir, los objetos que están más cerca del espectador son de mayor tamaño, y los que están más lejos van disminuyendo de tamaño. Esto, que parece absolutamente evidente cuando nosotros miramos lo que nos rodea, fue realizado en la pintura por primera vez con gran éxito por Velázquez.


ALGUNAS CARÁCTERÍSTICAS ARTÍSTICAS
El cuadro es una excelente muestra del dominio del autor: su gran habilidad para introducir cuatro elementos en sus lienzos: el aire, la atmósfera, la luz y el paisaje, su especial maestría en los retratos y la perspectiva aérea.

La técnica pictórica que utiliza aquí el artista no es siempre la misma sino que se adapta a los materiales que representa: bien compacta, como en la capa de la figura de la izquierda, o bien suelta, como en la banda y armadura de Spínola.
El color de este cuadro es especial. El ocre y el pardo son habituales en la paleta de Velázquez. Estos colores se ven en la parte de abajo fundamentalmente, pues es la tierra. Aparecen además colores vivos: verdes, carmines, azules y blancos. Estos colores vivos a veces sirven de contraste, como puede verse por ejemplo en los soldados españoles. Las bandas rosas y los cuellos blancos hacen un fuerte contraste con el color negro de sus armaduras.

Si quieres conocer más curiosidades de este cuadro, te invito a ver este vídeo.